Pixar. A palavra há muito que evoluiu e se transformou em significado de qualidade e originalidade inesgotável. A partir das origens mais humildes, de um simples, ingénuo e grandioso sonho de fazer filmes de animação diferentes, tendo sempre por base um amor à arte raro e ideias herdadas da Disney, este outrora pequeno estúdio conseguiu, em 24 anos, conquistar o mundo. 28 Óscares, seis Globos de Ouro, três Grammys e mais de 5 biliões de dólares depois, chega-nos o 11º filme da Pixar.

A estreia de Toy Story 3 é, para qualquer fã do estúdio, um acontecimento grandioso, não só por ser um filme da Pixar, mas por ser a segunda sequela do filme que possibilitou tudo isto. Para os restantes, é mais uma oportunidade de ver mais um sucesso estrondoso e mais um fenómeno de popularidade mundial. É também uma desculpa perfeita, para o Ante-Cinema, para dar a conhecer mais um pouco sobre a Pixar, desde as suas origens até ao momento que o estúdio mais criticamente aclamado de sempre vive. Este especial pretende dar a conhecer um pouco mais sobre a sua história e natureza, contribuindo, esperemos, para um maior interesse da parte do espectador comum em relação não só à Pixar, mas à própria animação, meio muitas vezes negligenciado e incompreendido. De referir, por último, que este especial teve a estimada colaboração de Ana Cardoso, fã particularmente devota da Pixar.

– HISTÓRIA –

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SALA A113: ONDE TUDO COMEÇOU

Turma da CalArts de 1975, incluindo Lohn Lasseter e Brad Bird

A113. Dos muitos easter eggs da Pixar, este será, talvez, o mais significativo. Na realidade, a matrícula do carro da mãe do Andy nos filmes da saga Toy Story, o modelo da máquina fotográfica em À Procura de Nemo ou a directiva em WALL·E, é o número da sala do California Institute of the Arts (CalArts) por onde passaram vários dos criativos da Pixar. Dessa lista fazem parte John Lasseter, Pete Docter, Andrew Stanton, Brad Bird e Joe Ranft. No entanto, esta é uma história relativamente famosa. O que, provavelmente, não será tão conhecido é que, de certa maneira, as raízes da Pixar passam pelo próprio Walt Disney.

Nos anos 50, o criador do rato mais famoso do mundo começou a preocupar-se com o seu legado. Para Walt Disney, o entretenimento não chegava, ele queria algo mais; assim, focou a sua atenção na educação. Desde a década de 30 que ele mantinha uma relação próxima com o Chouinard Art Institute em Los Angeles, onde os animadores podiam estudar gratuitamente se não tivessem meio de pagar as propinas. A fundadora da escola, Nelbert Murphy Chouinard, sofreu um enfarte no início da década de 50, tornado-se incapaz de gerir a escola pessoalmente e esta rapidamente caiu em declínio e dificuldades financeiras. Disney doou milhares de dólares à escola e, com a aprovação de Chouinard, entregou a gerência do instituto a uma equipa de executivos do estúdio.

Em 1961, o instituto fundiu-se com o Los Angeles Conservatory of Music e Walt Disney mudou o nome da sua nova escola para California Institute of the Arts. Disney ordenou a construção de um campus em Valencia, California, a cerca de 40 minutos de viagem de Hollywood. No entanto, Disney não chegaria a ver o seu sonho tornar-se realidade. CalArts foi inaugurado em Setembro de 1971, seis anos depois da sua morte. Uns meros quatro anos depois, em 1975, um jovem de 17 anos recebeu uma carta do CalArts a convidá-lo para se candidatar ao curso de Character Animation. Este curso tinha a duração de quatro anos e era leccionado por artistas veteranos da Disney. O objectivo era limar os novos talentos e recrutá-los para o estúdio. Esse jovem, John Lasseter, foi o segundo aluno a ser aceite e, enquanto se preparava para o início das aulas, tornou-se assistente pessoal de Jack Hannah, o realizador das curtas clássicas do Pato Donald.

Lasseter teve uma oferta de trabalho da parte da Disney no seu primeiro ano, mas optou por continuar na escola e terminar o curso, que aconteceu em 1979. Quando terminou, juntou-se aos colegas Brad Bird e John Musker (futuro co-realizador de The Little Mermaid e The Princess and the Frog) na Disney, para trabalhar no filme The Fox and the Hound. No entanto, o entusiasmo do jovem Lasseter e dos seus colegas ia sendo lentamente abafado pelo pesado legado da companhia. Na altura, vivia-se sob o lema de “What would Walt do?”; porém, Walt Disney tinha morrido em 1966 e o estúdio parecia incapaz de seguir em frente. No seu segundo ano na Disney, inspirado por imagens do futuro filme TRON, Lasseter e o seu colega Glen Keane realizaram uma adaptação em forma de curta-metragem de Where the Wild Things Are, combinando animação tradicional com animação por computador (ainda rudimentar, na altura.) Pouco tempo depois, Lasseter foi despedido devido às suas pressões relativamente à animação por computador.

Em 1984, John Lasseter juntou-se à equipa de animação por computador da Lucasfilm’s Industrial Light Magic, não tendo planeado ficar mais de um mês.

LUCASFILM

John Lasseter, na Lucasfilm, trabalhando em «Luxo Jr.»

A Pixar (ainda como The Graphics Group) encontrou em George Lucas alguém genuinamente interessado e entusiasmado pelo desenvolvimento do potencial do computador no cinema mas também mais preocupado com a questão do hardware do que propriamente com a sua aplicação prática. Nasce então o Pixar Image Computer, criado especialmente para a Lucasfilm, que atrai muito interesse, especialmente da Disney Studios. Apesar da sua importância, a maior parte das vendas conseguidas destinam-se a agências do governo e algumas partes da indústria da medicina.

Ed Catmull, que trabalhara na Lucasfilm desde 1979, foi quem contratou John Lasseter, o que significava que o seu desejo e paixão por criar filmes de animação por computador se mantinham bem vivos, isto apesar de a sua função principal na empresa ser essencialmente o desenvolvimento de hardware, constantemente pressionado por Lucas. Mas ao trazer Lasseter, bem como Brad Bird e Loren Carpenter, tornava-se óbvio que estava muito mais investido no sonho da animação. Para Lucas, no entanto, o que mais importava era o sucesso financeiro da sua empresa e não fazer filmes de animação. Frustrado com as escassas vendas do Pixar Image Computer, a pressão sobre Catmull e Lasseter para começarem a fazer dinheiro aumentava. O primeiro grande sucesso de ambos chega em 1982 na forma de Star Trek II: The Wrath of Khan, com influência directa numa cena em que um planeta inteiro é literalmente devorado. A Pixar começava finalmente a ganhar nome, nomeadamente na comunidade de efeitos especiais.

Dois anos depois, Catmull e Lasseter apresentam uma curta de 2 minutos, The Adventures of André and Wally B., na Siggraph, uma convenção gráfica de elite. Aplicando técnicas clássicas de animação da Disney, o filme maravilha tudo e todos, isto apesar da contínua descrença de Lucas, que considera o filme horrível. Na sequência de um divórcio dispendioso, a Lucasfilm, atravessando problemas financeiros e tendo em conta uma necessidade de equilibrar contas, ordena a venda da Pixar, deixando Catmull responsável por encontrar um comprador.

FUNDAÇÃO / STEVE JOBS

Steve Jobs, Dick Cook e John Lasseter

É em 1986 que a Pixar propriamente dita nasce, com o seu logo tão característico a aparecer pela primeira vez em Luxo Jr.. Steve Jobs, que havia recentemente sido despedido da Apple Computers, estava à procura de um novo projecto. E a Pixar estava à procura de um novo ‘dono’. Jobs, procurando um projecto que rivalizasse com a Apple, compra a Pixar à Lucasfilm por 5 milhões de dólares e outros 5 adicionais investidos na empresa. Infelizmente, a Pixar teve em Jobs outro gestor sem interesse nenhum em animação, apenas obcecado pelo desenvolvimento de software.

A verdade é que, depois de Luxo Jr., Lasseter e Catmull continuavam a criar filmes únicos e revolucionários para a sua época, como por exemplo Red’s Dream, que voltou a fascinar  a Siggraph em 1987. As diferenças, contudo, mantinham-se, com Jobs preocupado e irritado com o facto de a empresa não fazer lucro. 1988 trouxe o primeiro grande sucesso da Pixar: Tin Toy, criado usando o software PhotoRealistic Renderman, revolucionário na altura, que essencialmente transformava os traços – neste caso de um bebé e de um conjunto de brinquedos – em animação foto-realista. Tin Toy conquistou o primeiro Óscar da história da Pixar, transformando-se por isso num marco da história da animação.

O sucesso desta quarta curta-metragem provava, pela primeira vez, que a animação por computador era uma forma de arte viável tanto artística como comercialmente. Jobs, apercebendo-se finalmente do potencial que tinha em mãos, começa a pressionar os animadores para fazerem mais filmes e anúncios publicitários, o que acaba por resultar na alienação de pessoas importantes dentro da família Pixar. O ‘reinado’ de Jobs, entre 1986 e 1991, fica marcado por um ambiente degradante dentro da empresa, com a decisão de retirar as acções dos empregados, despedimentos em massa e pouco ou nenhum lucro. A Pixar parecia condenada à falência.

DISNEY

Sendo a Pixar uma espécie de ‘filho adoptivo’ da Disney, não faria sentido que não fosse esta a salvá-la. A associação de ambos os estúdios era inevitável e algo que fazia todo o sentido, dado a influência de um no surgimento do outro. Com a Disney a seu lado, a Pixar floresceu finalmente, com a relação a trazer estabilidade e acima de tudo um ambiente em que os animadores pudessem trabalhar com vista à criação artística e não à venda de software.

A partir de 1991, a ideia da criação de uma longa-metragem deixou finalmente de parecer uma miragem. Depois de longas negociações, os dois estúdios chegam a acordo para o desenvolvimento, produção e distribuição de três longas-metragens, com a Disney responsável pelo financiamento e distribuição e a Pixar pela produção. Tudo o que a Pixar havia feito até então era curtas-metragens, a própria animação por computador era um meio experimental e sem provas dadas, por isso era tudo muito embrionário e duvidoso, com a Disney a assegurar-se de que tinha controlo do argumento e espaço de manobra caso os filmes não fossem bem-sucedidos a nível da bilheteira. Depois de quatro anos de muitos anúncios publicitários, o primeiro filme da lista estava completo.

Chamou-se Toy Story e o resto é história. O filme não se limitou a salvar a Pixar; fê-lo sendo o campeão do box-office mundial de 1995 e tornando-se o primeiro filme de animação da história a ser nomeado para o Óscar de Melhor Argumento Original. O que Toy Story fez, na prática, para além de abrir caminho para outros 10 filmes de sucesso astronómico, foi mostrar ao mundo que John Lasseter tinha razão, que ele era realmente um visionário: um filme de animação podia mesmo ser muito mais que uma forma rápida de divertimento infantil, centrando-se antes em personagens com comportamentos adultos, problemas e dúvidas adultas que passasse mensagens importantes, tudo isto sem esquecer o entretenimento.~

‘ZANGA’ / AQUISIÇÃO

Depois de quatro anos de boas relações, consequência natural do sucesso de Toy Story, a produção de Toy Story 2 causou desentendimentos e mau-estar entre a Pixar e a Disney. A primeira defendia que o filme, originalmente previsto como uma sequela a ser lançada directamente em formato vídeo mas que acabou por estrear nos cinemas, deveria contar como um dos três filmes consagrados no acordo entre os dois estúdios, opinião recusada pela Disney. A ‘zanga’ prendia-se essencialmente com o facto de os lucros, nesta altura, serem distribuídos equitativamente, isto apesar de a Pixar produzir e criar os filmes de raiz, enquanto que a Disney se limitava a distribuí-los e promovê-los e, mesmo assim, detinha os direitos exclusivos das histórias e sequelas, gozando ainda de uma parcela de distribuição.

Depois de uma tentativa de acordo, em meados de 2004, em que a Pixar procurava a total separação entre produção e distribuição, salvaguardando os seus direitos a nível criativo e todos os lucros daí resultantes, pagando apenas os 15% relativos à distribuição, a situação agravou-se consideravelmente devido ao desentendimento entre Steve Jobs e Michael Eisner, director da Disney na altura. Depois da saída de Eisner da Disney e de longas negociações, a Disney anunciou, em Janeiro de 2006, a aquisição da Pixar por um valor astronómico de 7.4 biliões de dólares.

Esta transacção fez de Steve Jobs, detentor de 50.1% da Pixar, um dos homens mais ricos do mundo, ficando John Lasseter como chefe criativo da Pixar e da Walt Disney Animation Studios e mantendo-se Ed Catmull como presidente da Pixar e também da Walt Disney Studio Entertainment. Com estes dois a manterem-se em posições de chefia, certas condições foram incluídas no negócio com a finalidade de que a Pixar se mantivesse uma entidade à parte, incluindo questões relacionadas com a gestão interna e de recursos humanos da Pixar e, naturalmente, que o nome Pixar se mantivesse intocável, bem como a localização do estúdio (Emeryville, California). Para o fã anónimo, que não se podia preocupar menos com burocracia, a maior mudança foi mesmo a passagem de “Pixar” para “Disney • Pixar”, posta em prática a partir de Carros.

CONTINUA NA PÁGINA 2 – ‘OS FILMES’.

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Durante o último mês, Lee Unkrich e Darla K. Anderson, realizador e produtora de Toy Story 3, respectivamente, têm viajado por alguns países da Europa a promover o mais recente filme da Pixar. Numa digressão carinhosamente apelidada por Unkrich, no seu Twitter, como “Big Baby World Tour“ (referência a uma das novas personagem que esta segunda sequela introduz), os dois começaram por França, seguindo-se Alemanha, Grécia, Suiça e Irlanda. Depois de Dublin, seguiu-se a sexta paragem da comitiva, antes de seguirem para Espanha e Reino Unido, onde acabaria a digressão: Portugal.

Numa iniciativa promovida pela ZON Lusomundo, Unkrich e Anderson (inspiração para a personagem de Darla (a miúda irritante, sobrinha do dentista) em À Procura de Nemo, criada por Andrew Stanton como ‘vingança’ por muitas partidas por ela infligidas) passaram dois dias em Portugal, um dos quais no Hotel da Lapa, em Lisboa, onde deram uma curta mas divertida conferência de imprensa, seguida de uma tarde de entrevistas.

O Ante-Cinema esteve à conversa com ambos que, sempre imensamente e igualmente participativos e simpáticos, falaram sobre Toy Story 3, dando a conhecer como foi fazer este terceiro filme de uma das sagas mais amadas da história do cinema de animação, 15 anos depois da estreia do primeiro. Antes da estreia do filme (e da nossa crítica) fica o aviso de alguns possíveis spoilers, apesar de pouco significativos, pois tendo visionado o filme para o efeito, algumas perguntas tinham mesmo que ser feitas. Espero apenas que as suas respostas inspiradoras possam vir a significar tanto para alguns leitores como significaram para quem as colocou. Sem mais demoras, as duas entrevistas em baixo:

- LEE UNKRICH (REALIZADOR) -

ANTE-CINEMA (AC): A maior façanha de Toy Story 3 é, em minha opinião, o quão reconhecível o filme é. O quão palpável consegue ser. Como é possível? 11 anos depois do segundo filme, como conseguiu – não apenas técnica ou visualmente – voltar a criar esse laço com o público?

LEE UNKRICH (LU): Bem, penso que em parte porque o público já adora as personagens, certo? A maioria das pessoas já viu Toy Story e Toy Story 2. Sei que nem toda a gente, mas muitas pessoas já viram por isso o meu trabalho ficou facilitado porque estávamos em cima dos ombros desses dois filmes. Mas claro que precisávamos de trabalhar arduamente para não nos repetirmos a nós próprios, para fazer algo novo que ainda assim fosse reconhecível. E foi aí que se tornou difícil. Por isso é que a história levou dois anos e meio a escrever, porque passámos muito tempo a tentar perceber como criar uma história que fosse divertida mas que não parecesse repetir-se a si própria, que fosse familiar, mas nova.

AC: A parte difícil?

LU: Sim. E como o conseguimos? Não sei. [risos] De forma muito lenta e cuidadosa.

AC: Mas o filme é, no fundo, sobre crescer, creio. Sobre seguir em frente?

LU: Sim, em vários sentidos.

AC: Penso que, naquela cena em que o Andy dá os seus brinquedos à Bonnie, conseguimos sentir um pouco a vossa própria relutância em abandonar a história. Não abandonar, mas deixá-la para trás. Foi difícil para si, tendo estado envolvido desde o início?

LU: Sim, houve sem dúvida uma quota disso. É duro dizer adeus às personagens porque trabalhámos com elas durante tanto tempo e elas são como família para nós. Por isso tentámos ser muito verdadeiros em relação a isso e podemos ver isto como, literalmente, a nossa tentativa em dizer adeus às personagens. Mas penso que a principal razão pela qual as pessoas acham aquela cena tão emotiva é que deixar de ser um miúdo é algo duro e traumático, certo? Crescer e tornar-se um adulto é… as crianças querem ser adultos, querem crescer, serem levadas a sério pelos seus pais e querem começar a ter a liberdade de ser adulto, mas fazer na realidade essa transição é difícil.

AC: Digo isto porque a Pixar é, em muitos sentidos, ingenuidade, entusiasmo típico das crianças. E podemos ver isso no Andy. Eles, o Andy e a Pixar, reflectem-se um ao outro.

LU: Tem a ver com isso. E é por isso que é tão emotivo, porque há aquela dificuldade em tornar-se um adulto mas ao mesmo tempo muitos adultos passam as suas vidas a tentar recuperar as suas infâncias. Verás isso quando fores mais velho, passas muito tempo a pensar e a desejar que fosses novamente criança, a desejar que não tivesses que ter todos os problemas e as responsabilidades de ser adulto. Acho que é por isso que as pessoas acham o filme tão afectante, porque fala de forma tão específica àquele momento de deixar a infância.

AC: Outro aspecto que tem sido apontado, nomeadamente em críticas, é o quão negro o filme consegue ser, o quão mais pesado certas partes conseguem ser. Talvez pelo facto de ser sobre crescer…

LU: Sim. Quer dizer, ouço as pessoas a usar muito a palavra ‘negro’ e tento sempre corrigir isso porque pessoalmente não o considero um filme negro. É um filme divertido. Mas é emotivo. Acho que é intenso, por vezes, e é verdade. A história que contámos levou-nos a um lugar que consegue tornar-se muito intenso, perto do fim, sem dúvida. E sabíamos que era intenso, mas também sentimos que era a forma certa, a coisa certa a fazer no clímax da história. Tentámos ser verdadeiros e fazer com que as pessoas se conseguissem identificar, não fazer com que parecesse um “movie moment”, mas sim algo real. Acho que as pessoas são apanhadas de surpresa porque não estão à espera que o filme cause nelas emoções tão fortes.

AC: Uma das coisas que se tem ouvido dos fãs da Pixar é, em relação à cena do incinerador, que se trata da coisa mais bonita que a Pixar já fez até hoje. Compreende essa perspectiva, esse argumento?

LU: Sim…

AC: Não é uma comparação com os outros filmes…

LU: Não, eu sei. Quer dizer, sem dúvida que… nós sabíamos, com aquela cena, que estávamos a fazer algo excepcional. E não apenas no panteão dos filmes Pixar, mas no cinema em geral. Não acho que haja muitos momentos como aquele, que sejam uma experiência tão intensa. Mesmo eu, que realizei o filme, perto do final quando estava tudo aceso e tínhamos a música e tudo, e tendo que ver o filme muitas vezes pois estávamos a ultimar tudo, comecei a aperceber-me que me emocionava muito ao ver aquela cena se deixasse entregar-me e tentasse colocar-me na posição do típico membro do público que não sabia que aquilo iria acontecer, era muito afectante. E pensei: «se está a ter este efeito em mim quando vejo, sabendo que fui eu que o fiz e sabendo o que vai acontecer [risos] então posso apenas imaginar como as pessoas que não sabem o que vai acontecer irão reagir.».

AC: Em relação às referências e aos sempre-agradáveis easter eggs, mas especialmente a referência ao Totoro. Sei que o John Lasseter é um fã de [Hayao] Miyazaki, aquela homenagem veio directamente dele?

LU: Não, somos todos fãs de Miyazaki. Mas para ser justo, o John pôs-nos a muitos de nós no caminho de Miyazaki pela primeira vez porque é fã desde há muito tempo, desde Laputa e os primeiros seus filmes, mas todos nós viemos a adorá-lo e a ser influenciados por ele. A razão pela qual aquela cena aconteceu foi que o Michael Arndt, o meu argumentista, estava a escrever pela primeira vez uma cena no quarto da Bonnie e tinha que inventar um monte de brinquedos para estarem no quarto dela, por isso inventou muitos – um coelho e mais não sei o quê – dos quais a maioria nem tem nada a ver com o que aparece no filme, mas ele criou um brinquedo Totoro porque é também um fã de Miyazaki. Então o Michael escreveu o Totoro como sendo um dos brinquedos e eu pensei que era divertido como uma piada, mas depois pensei: «aquilo podia ser uma espécie de homenagem perfeita à amizade entre o John e o Miyazaki e entre os nossos estúdios», então contactámos o Miyazaki e o seu produtor [Toshio] Suzuki-san, dissemos-lhe o que queríamos fazer e felizmente eles estavam abertos a isso. E o Miyazaki visitou mesmo o estúdio e a dada altura eu mostrei-lhe o Totoro no computador.

AC: Qual foi a sua reacção?

LU: Bem, eu não sabia como ele iria reagir, ele é muito quieto, mas mostrámos-lhe uma espécie de viragem do Totoro no computador e ele olhou para ele e deixou sair um simples «huh» [aceno] Foi a sua aprovação.

AC: Mas o trabalho de Miyazaki leva-nos à questão do 3-D e do CGI. A Pixar fez o seu primeiro filme em 3-D apenas o ano passado (Up) por isso, usando o seu exemplo, concorda que algumas das bases da animação, como o desenho à mão e o stop-motion, estão a ficar para trás?

LU: Acho que não. Nós estamos a fazer exactamente o que queríamos, isso não mudou de todo. E não permitimos que o 3-D, o Estereoscópio 3-D, influenciasse nenhuma das nossas decisões. Continuamos a fazer filmes da mesma forma como sempre fizemos, e sei que as pessoas os verão de formas diferentes. Algumas pessoas vê-los-ão em 3-D, outras pessoas odeiam 3-D. E não há problema, podem ver sem ser em 3-D. E outras pessoas adoram 3-D. O que eu não quero fazer são coisas não autênticas apenas pelo 3-D, porque isso é tonto e nenhum de nós fazemos isso na Pixar. Mas em termos de algo estar a perder-se, não acho que nada esteja a ser perdido. Acho que algo está a ser perdido quando se permite que a carroça seja posta à frente dos bois.

AC: Mas, usando novamente o exemplo de Miyazaki, ele não permite mesmo que uma certa percentagem dos seus filmes seja gerado via computador. É certamente uma forma diferente de se fazer animação?

LU: Ele é também um criador singular. De uma forma muito diferente da que nós fazemos os nossos filmes. Ele faz arte maravilhosa e eu não quero que ele faça nada que traia isso porque eu adoro os seus filmes. Mas o John Lasseter sempre adorou 3-D, a Pixar fazer 3-D agora pouco tem a ver com o facto de toda a gente o estar a fazer. As fotos de casamento do John foram em 3-D. Ele fez uma versão de Luxo Jr. em 3-D. Knick Knack foi feito para ser em 3-D. Por isso ele sempre quis fazê-lo e é apenas hoje, com salas de projecção digital, que finalmente o podemos pôr em prática, em grande. Mesmo pessoas que não gostam de 3-D não podem negar o facto de que a projecção digital de filmes é uma forma melhor de se ver um filme do que em 35mm. Por isso, o 3-D ajudou a empurrar mais projecção digital para os cinemas e, quer se goste de 3-D ou não, isso é uma coisa boa. Temos melhor exibição de filmes agora, em geral, na industria.

AC: Em relação às personagens, uma das coisas mais divertidas do filme, para além de ver novamente Woody e Buzz, foram as novas personagens. Conhecer o Mr. Pricklepants, a Trixie, o Buttercup… e claro, o Ken. Quão divertido foi criar essas novas personagens?

LU: Foi divertido. Foi muita pressão, introduzir novos brinquedos no mundo Toy Story, uma parte de nós sentiu «quem somos nós para criar novas personagens para viverem lado a lado ao Woody, Buzz e todos os outros?» [risos] mas tínhamos que o fazer, por isso fizemos o nosso melhor para criar uma colecção divertida de brinquedos que fossem bem desenhados e que tivessem boas personalidades. Foi um desafio porque eles não iriam ter muito tempo de ecrã no filme, por isso tivemos que maximizar o que fizemos nos momentos em que eles estavam no ecrã. Poderíamos ter inventado um novo conjunto de brinquedos que fossem tão divertidos? Talvez, mas foram estes que por acaso criámos. A dada altura temos que tomar uma decisão: personagens novas e vozes novas. E sabes, as pessoas parecem estar muito felizes com eles.

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- DARLA K. ANDERSON (PRODUTORA) -

ANTE-CINEMA (AC): Trabalhou na Pixar desde o início, na altura de Toy Story na Digital Angel. Mencionou o quão queridas estas personagens são, não apenas para si mas para a própria Pixar, sendo as que começaram tudo. Foi difícil, capturá-las novamente, dá-las ao público novamente e dizer-lhes adeus, novamente?

DARLA K. ANDERSON (DKA): Sim. É interessante porque… é uma espécie de microcosmo da vida porque na vida, sem querer ser demasiado profunda, devemos sempre dizer ‘sim’ às coisas e às aventuras, mas elas eventualmente acabam. E fazer estes filmes é um pouco isso. Eu tinha vindo para a Pixar para trabalhar em Toy Story mas depois pediram-me que fizesse outra coisa, pediram-me para gerir uma pequena divisão e eu contratei muitas pessoas, pessoas que viriam a fazer parte do futuro da Pixar, muitos realizadores. Mas nunca cheguei a trabalhar em Toy Story, por isso Toy Story 3 foi um completar do meu sonho de há 17 anos atrás. E eu apaixonei-me pelo filme, como toda a gente, apesar de ter feito uma pequena parte dele. Então, construir uma equipa para o terceiro foi excelente porque conseguimos tantas pessoas fantásticas. Cada filme é excelente mas Toy Story 3 foi extra especial para mim por todas essas razões, mas no final temos que dizer adeus a toda a nossa equipa, por isso o sentimento é sempre agridoce.

AC: Como produtora, que é sempre um termo vago, e tendo em conta a quantidade de trabalho que é necessário para fazer um filme da Pixar, desde a ideia ao argumento, storyboard e filmar propriamente o filme, Toy Story 3 deu-lhe mais trabalho em relação aos outros filmes ou não se pode fazer essa comparação?

DKA: Cada filme tem a sua própria história, cada filme é difícil à sua própria maneira pelas suas próprias razões. Este filme foi difícil porque tínhamos a pressão do legado de Toy Story, o que é muito difícil, e é sempre, sempre difícil criar uma boa história, é a coisa mais difícil. Mas também tinha 50 papéis com diálogo. 50 papéis com diálogo é muito.

AC: Isso é algo que sempre me intrigou. Como reúne um elenco? Como associa um actor, uma pessoa que usa a sua cara todos os dias, a sua voz, com uma personagem, como um brinquedo? Como faz essa associação?

DKA: Nós trabalhamos arduamente e ouvimos imensas vozes diferentes, imensos actores, e o mais crítico é que eles saltem à vista. Às vezes simplesmente fechamos os olhos e ouvimos. Muitas pessoas que são muito atraentes querem fazer parte dos nossos filmes mas isso não ajuda se não tiverem a voz. Por isso temos que ouvir a personagem da voz, se tem energia, se é interessante, se tem muito movimento ou capacidade de improvisação, se são divertidas. Ser divertida é importante, ter energia é importante porque tem que se ter mais energia em animação por estar a dar-lhe vida. Dizemos sempre «um pouco mais alto, um pouco mais energético» porque estão a respirar vida para uma forma de arte. É diferente de quando estão a ser filmados, podem estar mais quietos ou introspectivos e o filme está a ler-lhes a cara, por isso temos que ter actores dispostos ou capazes de fazer isso. Passámos muito tempo nisto.

AC: Michael Keaton como Ken. Ele tinha trabalhado convosco em Cars mas como é que se o associa a algo como o Ken?

DKA: Quando eu comecei a trabalhar em Toy Story 3, em Março de 2006, tínhamos acabado há pouco tempo Cars. Por isso o Michael Keaton juntou-se à equipa muito tarde, à ultima da hora. Então ele veio à Pixar e ele tinha tanta energia, era muito divertido. Ele é como o Tom Hanks para mim, ele traz imensa energia e humor, por isso ligámos-lhe e dissemos «temos uma ideia para o Ken e é nisto que estamos a pensar» e ele pensou e trouxe algumas ideias. Foi excelente.

AC: Concentrando-nos nas duas personagens principais, as que mais adoramos, Woody e Buzz: tinham passado 11 anos desde que eles [Tom Hanks e Tim Allen] tinham trabalhado juntos, não houve dificuldades em reconectar com aqueles papéis, ou eles estão em tal sintonia que não importou?

DKA: Talvez um pouco, mas não muito. Aqueles tipos vieram e estavam tão entusiasmados, trabalharam neles durante uns minutos e voltaram, foi como andar de bicicleta para eles. E o interessante é que as suas vozes não mudaram, que eu acho fascinante. O Lee é um editor incrível e ele fez grande parte da edição, por isso ele conseguiu ouvir e não tinham mudado.

AC: Este é o quarto filme que produz. Tendo trabalhado com a maioria dos realizadores da Pixar, o que tem cada um deles que os defina? Especialmente o Lee [Unkrich], o que o define como realizador, o que faz dele o homem ideal para realizar este filme, como John Lasseter o descreveu? O que acha que ele tem que mais ninguém tem?

DKA: É interessante, aqueles tipos todos. Algumas pessoas fizeram a analogia de que eles são como os Beatles, cada pessoa tem um dom diferente. O John [Lasseter], ele é tão cheio de emoção verdadeira e humor baseado nas personagens. O Joe Ranft, que trabalhou em Nightmare Before Christmas [ao apontar para a minha t-shirt, alusiva ao filme], era assim também. E o Andrew [Stanton], ele é tão bom em termos de estrutura. O Pete [Docter] é um dos tipos mais imaginativos, ele inventa ideias verdadeiramente únicas, incrível. O Lee é o cineasta consumado. Ele vem de um passado na edição e do live-action, por isso quando ele veio para o Toy Story ele ensinou-nos a encenar as coisas e eu acho que é por isso que o filme foi, desde o princípio, diferente. Foi essa a contribuição do Lee.

AC: A ideia de colocar as câmaras na perspectiva dos brinquedos?

DKA: Exacto. De uma forma dinâmica e contando a história através do ponto de vista das câmaras. O Lee é um cineasta brilhante e um contador de histórias disciplinado e acho que é o passado na edição e no live-action que se traduz. E ele está constantemente empenhado em aprender tudo e a compreender tudo e a fazer o seu trabalho de casa e a compreender o que quer e a dar boas direcções à sua equipa.

AC: Sendo este a sua primeira vez a realizar sozinho, podemos assumir que ele virá a realizar muitos mais filmes no futuro?

DKA: Sem dúvida.

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NOS CINEMAS A 29 DE JULHO

Site Oficial: disney.go.com/toystory

Fotos: Gonçalo Trindade

Contraluz, o mais recente filme de Fernando Fragata, estreia esta semana nos cinemas portugueses. Depois de Pesadelo Cor de Rosa (1998), Pulsação Zero (2002) e Sorte Nula (2004), Fernando Fragata aposta agora num género diferente e traz pela segunda vez na sua carreira um filme falado totalmente em inglês. Com a principal particularidade de Contraluz ter sido rodado nos Estados Unidos da América, o filme pretende agarrar os espectadores pelas excelentes paisagens dos estados do Nevada e Arizona.

Estivemos à conversa com o realizador português, numa entrevista que se processou por email, onde para além de nos ter falado sobre a rodagem, contou-nos ainda alguns pormenores sobre o que é Contraluz e como tem sido a sua carreia ao longo dos últimos anos.

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ANTE-CINEMA (AC): Antes de mais, e porque os trailers já divulgados acabam por não revelar muito da história do filme, quer-nos falar um pouco sobre o que trata Contraluz?

FERNANDO FRAGATA (FF): O filme é sobre varias personagens que se encontram em situações de extremo desespero. Cada uma delas por um motivo diferente. E quando tudo parece ter chegado ao limite, algo de inesperado acontece que vai mudar radicalmente o rumo das suas vidas. No entanto, caberá a cada uma delas moldar o seu destino de modo a reencontrar a felicidade. Mas atenção, é que há destinos que só se alcançam depois de alterar o dos outros, e aí é que está o grande twist da vida.

AC: Considera Contraluz o seu primeiro filme de ficção-cientifica? Ou entende que este filme pode ser uma mistura de vários géneros cinematográficos?

FF: Existe muita especulação sobre o filme espelhada pela net. Muito do que vejo escrito pouco tem a ver com o filme. Quando se fala em Ficção-Cientifica a primeira ideia é de que se trata de um filme com naves espaciais, extra-terrestes ou que retrata o fim do mundo, mas o filme não tem nada a ver com isso. Admito no entanto que existem elementos de ficção cientifica no filme, mas mais ao estilo de Twilight Zone.

AC: Por falar em ficção-cientifica, o filme de Christopher Nolan, A Origem, estreia no mesmo dia que Contraluz. Isto preocupa-o? Por outras palavras, acha que A Origem poderá retirar espectadores ao seu filme?

FF: Todos os outros filmes Americanos me preocupam. Principalmente porque lhes é dado todas as salas e as maiores, deixando para o Contraluz poucas e pequenas, portanto, mesmo que houvesse mais portugueses a quererem ver o Contraluz do que A Origem, o Contraluz nunca poderia chegar sequer a ter metade do sucesso porque simplesmente não existem salas para o ir ver.

AC: Há pouco tempo atrás estreou nos cinemas Um Funeral à Chuva, um filme português sem qualquer tipo de apoio financeiro. Apesar de não ser o caso de Contraluz, qual diria que foi o caso mais complicado de ultrapassar para ser possível a realização deste filme?

FF: O mais complicado para se fazer um filme é arranjar o financiamento e a seguir é arranjar o financiamento, e depois é arranjar o financiamento. Tudo o resto é canja!

AC: Quanto tempo demorou fazer este filme? Desde a ideia até estar terminado…

FF: Se incluirmos o tempo desde a escrita do argumento e preparação, foram no total 3 anos de empenhados e intrincados trabalhos. Uma produção desta envergadura requer uma boa preparação de modo a nos precavermos de todas as possíveis adversidades que possam assolar o projecto.

AC: E como se sente ao ser o primeiro realizador português a filmar em Hollywood? Contraluz teve sempre o propósito de ser filmado nos E.U.A.?

FF: Não me sinto nada de especial. Não interessa muito onde o filme foi rodado, o que realmente interessa é que o filme tenha sucesso. Já o Pulsação Zero e o Sorte Nula foram inicialmente escritos a pensar que os iria filmar nos EUA. Tal não aconteceu. Quis o destino que fosse à terceira.

AC: Contraluz tem como pano de fundo paisagens dos estados de Nevada e Arizona. Porquê filmar nestes estados? Já conhecia esses sítios ou foi algo que só decidiu após a pesquisa para a realização do filme?

FF: Já conhecia bem os desertos norte-americanos e sempre foram uma fonte de inspiração para mim.  O argumento original do Sorte Nula tinha como cenário principal um ferro-velho no meio do deserto do Arizona nos EUA. Mas quis o destino antes que eu o filmasse num descampado do Seixal.

AC: Quanto ao elenco, este é uma mistura de actores portugueses e americanos. Existe alguma personagem neste filme que tenha sido pensada de propósito para determinado actor? Ou resumiu-se apenas a um processo de selecção para cada personagem?

FF: Nunca escrevo um argumento com determinado actor em mente. Sei que é sempre difícil ter os actores que se imagina, ou porque não há dinheiro para isso, ou porque não estão disponíveis. Portanto, prefiro pensar no elenco somente quando é dada a luz verde para a rodagem.

AC: Já comparou o seu filme com a série americana Twilight Zone. Foi esta a sua grande influência para a realização de Contraluz ou existem outros realizadores que o marcaram até chegar a este resultado final?

FF: Eu não “comparei”, eu apenas mencionei que o Contraluz tem alguns elementos ao estilo de Twilight Zone. É verdade que sempre fui um fã da série original de Rod Serling. Certamente que existem muitos realizadores e argumentistas que me influenciaram, mas não consigo apontar nenhum em particular.

AC: Após ter realizado em 1998 Pesadelo Cor de Rosa, a sua primeira longa-metragem, já realizou até ao momento mais 3 filmes. O que mudou no trabalho do Fernando Fragata entre o Pesadelo Cor de Rosa até à actualidade?

FF: Sempre que acabo de fazer um filme apercebo-me de que não vale a pena o esforço, mas passados meses esqueço-me disso e começo a sonhar em fazer outro. Passados 3 filmes continuo na mesma. Portanto, acho que nada mudou.

AC: Quanto à promoção de Contraluz, não se vê no exterior nem nas próprias televisões muita divulgação ao filme. Sente que isto é algo global para o cinema português e de que forma tem combatido com esta falta de ajuda por vários meios que poderiam proporcionar uma boa divulgação?

FF: A SIC tem dado bastante apoio e também houve alguma abertura de alguns programas nos outros canais.  Mas é claro que nunca é suficiente nem é possível igualar as campanhas de promoção dos filmes americanos que têm grandes orçamentos para o efeito.

AC: Há hipóteses do filme ser distribuído por outros países, incluindo os E.U.A.? Acha que o facto de Contraluz ser falado em inglês pode ajudar neste processo de distribuição?

FF: Pode ajudar mas não é uma formula garantida. No entanto existem já em curso negociações para a distribuição internacional do Contraluz.

AC: Deixamos-lhe aqui um espaço para se dirigir a todos os nossos leitores. Qual é a mensagem que lhes quer deixar?

FF: Preciso de emprego. Habilitações: Sei mexer em câmaras.

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«CONTRALUZ» ESTREIA A 22 DE JULHO

SITE OFICIAL: FILMECONTRALUZ.COM

Dando seguimento a uma recente tradição do Ante-Cinema, e tendo em conta que o mês de Julho já chegou, é tempo de compilar a lista dos filmes mais aguardados da nossa parte no que ao próximo trimestre diz respeito. Depois de uns três meses muito calmos, ‘fraquitos’ mesmo, em termos de qualidade (com a excepção, talvez, de Kick-Ass e alguns outros títulos que poucas pessoas levaram ao cinema), marcados inevitavelmente pela estreia de Um Funeral à Chuva, é agora a altura da época de verão, particularmente querida dos grandes ‘tubarões’ de Hollywood. Uma época de desocupação por parte de milhões de crianças e adolescentes, estes três meses caracterizam-se sempre pela quantidade avultada de blockbusters, e 2010 não parece ser excepção.

Dito isso, também não é menos verdade que não faltarão oportunidades de se ver bom cinema. A nossa lista, como sempre, pretende alcançar um equilíbrio saudável entre o comercial, não ignorando que Hollywood domina a indústria (nem tentando dissuadir ninguém de ver seja que filme for), e alguns títulos de carácter e natureza diferentes, eventualmente menos conhecidos da maioria das pessoas mas tão merecedores do tempo e dinheiro de qualquer cinéfilo ou ocasional visitante do cinema. Por razões óbvias, a lista contempla apenas filmes com estreia prevista e/ou confirmada em Portugal (datas sempre sujeitas a alterações), estando por isso limitada. Os leitores estão, naturalmente, convidados a deixar as suas opiniões, dizendo-nos os filmes que aguardam com mais expectativa.

Sem mais demoras, aqui fica a lista dos 15 filmes que não pode perder entre Julho e Setembro:

MEU FILHO, OLHA O QUE FIZESTE!, de Werner Herzog

Presente no IndieLisboa’10, My Son, My Son, What Have Ye Done é um dos dois filmes que Werner Herzog realizou em 2009. Um filme negligenciado pela crítica mas ao mesmo tempo essencial, nem que seja pela presença de David Lynch como produtor executivo, que conta a história verídica de um homem (interpretado pelo fabuloso Michael Shannon) que assassinou a mãe com uma espada. O elenco conta também com Willem Dafoe, Chloë Sevigny e Michael Peña.

Estreia em Portugal a 8 de Julho (crítica Ante-Cinema para breve)

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SHREK PARA SEMPRE, de Mike Mitchell

Quarto e último filme do imensamente lucrativo franchise da DreamWorks (depois do fantástico How to Train Your Dragon) sobre aquele que é, certamente, o ogre mais famoso do mundo. Shrek Forever After conjuga a oportunidade de facturar por uma última vez nas bilheteiras de todo o mundo e a necessidade de fornecer a miúdos e graúdos uma despedida de Shrek, Princesa Fiona e Donkey. Nunca será um filme memorável no que à animação diz respeito, em 2010, até porque também há Toy Story 3.

Estreia em Portugal a 8 de Julho (crítica Ante-Cinema para breve)

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CANINO, de Giorgos Lanthimos

Premiado em Cannes na secção Un Certain Regard e vencedor do Grande Prémio do Estoril Film Festival em 2009, Canino (Doogtooth no seu título inglês) representa uma oportunidade única para a cinefilia portuguesa: ver um filme grego numa sala de cinema. Aclamado pela crítica internacional, é a terceira longa-metragem do cineasta grego Giorgos Lanthimos e chega rotulado como um retrato de família que capta o lado doentio das sociedades contemporâneas…

Estreia em Portugal a 8 de Julho

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O ESCRITOR FANTASMA, de Roman Polanski

Inicialmente apontado como um dos grandes filmes de 2010, acabando por desaparecer um pouco do mapa, The Ghost Writer estreou nos E.U.A na mesma semana que Shutter Island, o que talvez possa explicar o seu pouco sucesso comercial em terras de tio Sam. Outra possível explicação é o facto de ser um filme de Roman Polanski. Considerado por muitos um dos melhores do ano, parece ser um thriller diferente do de Martin Scorsese. Esperemos que seja tão bom.

Estreia em Portugal a 15 de Julho

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A ORIGEM, de Christopher Nolan

Seguramente o filme mais aguardado de 2010, o regresso de Christopher Nolan, 2 anos apenas depois de The Dark Knight, nunca seria algo levado levianamente por ninguém, especialmente tendo em conta a qualidade elevadíssima dos seis filmes que fez até hoje e do elenco fenomenal deste seu regresso (Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Ellen Page, Marion Cotillard, Cillian Murphy, etc.). Uma inteligente e faseada campanha de promoção fez o resto. E faltam pouco mais de 2 semanas.

Estreia em Portugal a 22 de Julho (crítica Ante-Cinema para breve)

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CONTRALUZ, de Fernando Fragata

Se Um Funeral à Chuva sacudiu um pouco com o cinema português, Contraluz promete dar-lhe a visibilidade internacional com que tanto sonhamos ano após ano. Rodado em território americano, o filme é uma clara tentativa de facturar no mercado mais poderoso do mundo, mas também um seguimento natural na carreira de Fernando Fragata (depois de Pulsação Zero e Sorte Nula, filmes muito ‘americanizados’). A curiosidade é imensa, especialmente depois do famoso trailer/mensagem de António Feio.

Estreia em Portugal a 22 de Julho (crítica Ante-Cinema para breve)

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SOLDADOS DA FORTUNA, de Joe Carnahan

23 anos depois do último episódio de “The A-Team”, série de culto que se manteve no ar durante mais de duas décadas, chega-nos finalmente uma das adaptações cinematográficas mais aguardadas de sempre. Chega-nos pelas mãos de Joe Carnahan, cujo Smokin’ Aces serve de bom presságio em termos de acção e comédia, e conta com um elenco estranhíssimo, onde se destacam: Liam Neeson, Sharlto Copley, Jessica Biel e um ex-lutador de MMA (Quinton ‘Rampage’ Jackson) como B.A. Baracus, papel lendário de Mr. T.

Estreia em Portugal a 29 de Julho

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TOY STORY 3, de Lee Unkrich

Provavelmente em número dois, estivesse esta lista por ordem de antecipação e entusiasmo. Toy Story (independentemente de qual filme) tem, para milhões de pessoas, um significado que ultrapassa o cinema. A oportunidade de crescer e ver um filme que significou o mundo, a dada altura da vida, crescer connosco é algo único, que não pode ser sub-valorizado. Toy Story 3 fará muita gente chorar. Falaremos mais acerca dele no especial sobre a Pixar que temos agendado para breve.

Estreia em Portugal a 29 de Julho (crítica Ante-Cinema para breve)

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O ÚLTIMO AIRBENDER, de M. Night Shyamalan

O mais impressionante acerca de M. Night Shyamalan é o facto de este não fazer um bom filme há oito anos e, mesmo assim, dele se esperar mundos e fundos sempre que estreia um novo filme. O Último Airbender não é excepção. A sua mais recente história de aventura e fantasia (os temas mais negros parecem estar definitivamente ultrapassados) perfila-se como mais uma grande fonte de desilusão (basta dizer que no Rotten Tomatoes a classificação é de 9%). Mas não há quem não o queira ver.

Estreia em Portugal a 12 de Agosto

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SALT, de Phillip Noyce

Admitamos: nada do que Angelina Jolie fez depois de Lara Croft: Tomb Raider não foi digno de destaque. Mas a verdade é que Salt parece ter tudo para entreter, cativar e desafiar qualquer apreciador de um bom thriller com doses reforçadas de acção e paranóia. Realizado pelo australiano Phillip Noyce (Rabbit-Proof Fence, The Quiet American) e escrito por Kurt Wimmer (Equilibrium), talento não falta e, a julgar pelo trailer, Jolie aparece em tão – ou melhor – forma que em Wanted.

Estreia em Portugal a 19 de Agosto

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WHIP IT, de Drew Barrymore

Whip It (Sobre Rodas, no título português) estreou nos E.U.A em Outubro de 2009, mas é o tipo de filme pelo qual vale a pena esperar. Estreia de Drew Barrymore como realizadora, é um retrato e tributo ao roller derby, rodado em Austin, Texas e capturando na perfeição a vibe típica daquela cidade. Tem Ellen Page no papel principal, acompanhada por Marcia Gay Harden, Kristen Wiig, Juliette Lewis, Zoe Bell, Jimmy Fallon e a própria Barrymore.

Estreia em Portugal a 19 de Agosto

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O APRENDIZ DE FEITICEIRO, de Jon Turteltaub

Um filme de ‘família’, à semelhança de Shrek Forever After, The Sorcerer’s Apprentice dá continuidade à colaboração entre Jon Turteltaub e Nicolas Cage (depois de National Treasure e respectiva sequela) e marca o regresso de Cage ao cinema popcorn, depois de Kick-Ass. Parece oferecer o mesmo que os dois filmes mencionados: acção, aventura, comédia e fantasia veranil.

Estreia em Portugal a 19 de Agosto

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OS MERCENÁRIOS, de Sylvester Stallone

Outro grande destaque de 2010, The Expendables pode ser descrito como uma bomba-relógio de testosterona. Qualquer filme que tenha no seu elenco estrelas de acção intemporais como Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Eric Roberts, Mickey Rourke e Bruce Willis o seria. E tudo isto sem sequer falar em Arnold Schwarzenegger.

Estreia em Portugal a 23 de Agosto

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PREDADORES, de Nimród Antal

Falámos sobre Predators há bem pouco tempo (aqui e aqui), por isso pouco ou nada há a acrescentar. Excepto talvez que a música do filme é composta por John Debney, que compôs para filmes como A Ilha das Cabeças Cortadas, A Paixão de Cristo (pelo qual foi nomeado para um Óscar) e Sin City.  Mais uma razão de interesse, portanto.

Estreia em Portugal a 26 de Agosto

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WALL STREET: O DINHEIRO NÃO PÁRA, de Oliver Stone

Exibido fora de competição no Festival de Cannes deste ano (falámos sobre ele aqui) Wall Street: Money Never Sleeps nunca ‘descolou’ verdadeiramente, com o público a não aderir tão bem como seria de esperar, tal a fama e o sucesso do original de 1987. A crítica, contudo, não deixou de elogiar Oliver Stone pela forma como adaptou a história sobre ganância e poder ao século XXI.

Estreia em Portugal a 23 de Setembro

Telmo Martins realiza Um Funeral à Chuva, a sua primeira longa-metragem da carreira. Com o filme praticamente a estrear nas nossas salas de cinema, estivemos à conversa com o realizador e a descobrir um pouco mais este Um Funeral à Chuva.

Antes de mais, e porque este é um ponto que deixa certamente muitas pessoas curiosas, como é que se faz um filme como «Um Funeral à Chuva» sem praticamente qualquer apoio financeiro?

Telmo Martins (TM): Com muita determinação, crença, amor e trabalho árduo. Com uma equipa de super profissionais e acima de tudo excelentes amigos, disponíveis para chorar e rir num caminho que já se sabe à partida, muito sofrível e desgastante. E ainda com o apoio de outros amigos, empresas e profissionais que também eles, acreditam que sim, é possível.

«Um Funeral à Chuva» nasceu através de uma ideia de vários amigos no qual se insere. Existem no filme situações que marcaram o seu percurso académico e que agora passou para esta história?

TM: Embora o filme não seja autobiográfico, é inevitável que contenha situações que me aconteceram e marcaram, assim como sentimentos e memórias dos quais nunca me conseguirei separar. O percurso académico pode ser um período da vida muito especial e único, que é impossível esquecer.

Quando é que surgiu pela primeira vez a ideia de fazer este filme? Lembra-se onde estava quando isso aconteceu?

TM: Estava nos Açores em férias e procurava um tema para começar a esboçar algumas ideias. Através de uma conversa, por telefone, com o meu amigo e actor Luís Dias, surgiu uma premissa embrionária que deu origem ao guião escrito por Luís Campos.

Uma vez que existe muita tradição no nosso país a nível académico, sente que vai haver uma grande receptividade por parte do público jovem ao seu filme?

TM: Espero que sim. Um Funeral à Chuva retrata a amizade no seu estado mais genuíno e verdadeiro que, neste caso, surge na Universidade e no quotidiano académico. É um filme divertido, bem-disposto, que espero ter a capacidade de fazer com que todos reflictam um pouco sobre a vida. Mas, acima de tudo, é um filme que fala de todos e é para todos.

No entanto, este não é um filme apenas para os mais jovens, correcto?

TM: É um filme para todos. É uma história com camadas de interpretação diferentes, que no final levam à mesma ideia principal e às mesmas reflexões. Os mais novos verão o filme de um modo e os mais velhos de outro, embora, no final, tirem as mesmas conclusões.

Sendo o elenco praticamente todo ele composto por jovens actores, sente que também eles vibraram com esta história de amizade?

TM: Sim, embora alguns não tenham passado por uma experiência académica vibrante, passados poucos dias de rodagem já a sentiam. A amizade e, como não poderia deixar de ser num projecto com estas características, esteve presente entre todos, desde o início.

Pelas imagens que podem ser vistas no trailer oficial, existem certos momentos que parecem fazer lembrar o cinema de autores como Jason Reitman e Wes Anderson. Estes realizadores funcionaram, de certa maneira, como influências?

TM: Inconscientemente, talvez.

O filme ainda não estreou nas salas de cinema mas já tem vindo a mobilizar várias pessoas. Só no Facebook contam com mais de 4.000 fãs e já foram noticiados em diversos sites, jornais e blogues. Para além disto, estiveram também a promover «Um Funeral à Chuva» em várias festas académicas com bastante sucesso. O que é que todo este carinho demonstrado pelos portugueses significa para si?

TM: Esperança. Que o filme tenha um bom percurso comercial e que todos comecem a acreditar. Que deixem de estar acorrentados à ideia de crise e comecem também a lutar pelos seus sonhos e futuro.

Falando agora no cinema português, quais são para si as maiores dificuldades em fazer cinema no nosso país?

TM: O panorama cinematográfico nacional é muito complexo. Fazer cinema, tecnicamente, é bastante complexo e pesado. São sempre necessários muitos recursos humanos e técnicos e, inevitavelmente, algum dinheiro, por muito pouco que seja. O cenário do cinema independente é ainda mais complicado, devido a uma grande dificuldade: A falta de tempo. Tem que ser tudo feito muito rapidamente e sem grande margem para erros. No entanto, fazer cinema até poderia ser muito simples, se os portugueses começassem a gostar de ver obras faladas em Português. Isto permitiria, não só recuperar o dinheiro investido, como também avançar para novos projectos.

Em declarações à Agência Lusa em Dezembro de 2009, referiu que «Um Funeral à Chuva» “não é uma seca de filme português, é divertido. Não quer dizer que seja ‘comercialóide’, sem mensagem.”.  Esta afirmação funciona como uma espécie de crítica ao estado actual em que o cinema português se encontra?

TM: Não directamente. Apenas quis dizer que o cinema Português se encontra quase sempre num de dois extremos. Cinema de Autor e Cinema Comercial sem conteúdo absolutamente nenhum. Humildemente, neste filme, tentei localizar Um Funeral à Chuva a meio desta escala.

Se o filme fosse produzido noutro país, acha que a mensagem desta história iria passar da mesma forma?

TM: Sim, acho que sim. A amizade é um tema universal.

Depois da grande aventura que foi realizar este filme, por sinal a sua primeira longa-metragem, o que é que podemos esperar do Telmo Martins futuramente? Está já a preparar um novo filme?

TM: Honestidade, paixão e verdade em todos os trabalhos que, se Deus quiser, farei. A preparar ainda não, mas a pensar, sim.

Gostaria de deixar alguma mensagem especial aos leitores do Ante-Cinema?

TM: Acreditem tanto neste projecto como nós. Embora a uma primeira impressão possa ser difícil de ver, este é um projecto de todos e que, caso seja um sucesso comercial, provará que tudo é possível e que todos os sonhos são concretizáveis.

NOS CINEMAS A 3 DE JUNHO

Site Oficial: www.umfuneralachuva.com

Fotos: Lobby Productions e ZON Lusomundo

Hoje é dia de abertura de mais uma edição do Festival Black & White e o Ante-Cinema oficializa a partir de agora o início de uma extensa cobertura ao Festival. Até dia 24 de Abril (Sábado), o Porto recebe várias obras a preto e branco das áreas do áudio, vídeo e fotografia.

À semelhança do ano passado, tivemos a oportunidade de falar um pouco com o Director do Festival, Jaime Neves. Numa conversa que demorou cerca de meia hora, apresentamos em baixo cerca de 7 minutos com algumas revelações importantes sobre esta 7ª edição e ainda algumas curiosidades.

Até 24 de Abril passe pela Universidade Católica Portuguesa do Porto (Campus da Foz), e desfrute desta grande festa a preto e branco.

Entrevista: Fernando Ribeiro

Edição e Imagem: Fábio Oliveira

Os primeiros três meses de 2010 trouxeram-nos de tudo um pouco: bons e maus filmes, surpresas e desilusões, regressos de nomes como Martin Scorsese, Woody Allen, Clint Eastwood ou os irmãos Coen, e como é óbvio os Óscares, que consagraram Estado de Guerra e Kathryn Bigelow, fazendo desta a primeira mulher a vencer uma estatueta da Academia por Melhor Realização. Trouxeram-nos também o maior festival de cinema do nosso país – o Fantasporto - e fizeram do 3D mais que apenas uma ‘moda’, mas uma realidade à qual parece que nos teremos mesmo que habituar. Trouxeram-nos ainda uma notícia bastante mais triste: a morte de Eric Rohmer, um dos maiores e mais importantes cineastas do século XX.

Esses primeiros três meses já ficaram para trás, Abril chegou e com ele chegarão novas estreias, novos regressos e novos festivais, incluindo aquele que é o maior do mundo: Cannes. Este segundo trimestre do ano é, por norma, o mais ‘calmo’, situando-se naquele espaço pós cerimónias de prémios de Hollywood e anterior ao verão, durante o qual os grandes estúdios mais facturam. Ainda assim, vislumbram-se as estreias de filmes interessantes, incluindo alguns inevitáveis blockbusters. De todos eles destacaríamos Kick-Ass, um dos filmes mais esperados não só deste segundo trimestre, mas de 2010.

Os 15 filmes que não pode perder entre Abril e Junho:

UMA NOITE ATRIBULADA, de Shawn Levy

A combinação de dois talentos enormes como são Steve Carell e Tina Fey, que brilham semanalmente em duas das séries mais brilhantes da actualidade no que diz respeito à comédia (“The Office” e “30 Rock”, respectivamente) é sem dúvida algo especial e a ser desfrutado por quem gosta de humor inteligente. Realizado por Shawn Levy (À Noite no Museu), Uma Noite Atribulada promete ser tudo menos uma comédia romântica convencional.

Estreia em Portugal a 8 de Abril

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Com apenas seis anos de existência, o IndieLisboa já conseguiu um lugar entre os principais festivais de cinema de Portugal. Criado em 2004, dirigido desde então por Nuno Sena (ex-programador da Cinemateca), Miguel Valverde e Rui Pereira, e organizado pela associação cultural Zero em Comportamento, este é um festival que, como o nome indica, serve como palco para o cinema independente, trazendo até nós, ano após ano, filmes inéditos no nosso país, promovendo-os e aos seus autores. Distingue-se, no entanto, pela sua diversidade, apresentando obras que vão desde longas e curtas-metragens de ficção, animação, documentários e filmes experimentais. Apresenta como objectivos, de acordo com a sua direcção, “incentivar a criação autoral na área do cinema, potenciar a circulação das obras e dos autores em território nacional e internacional e promover o cinema português no mundo, tentando aproximar o universo do cinema contemporâneo do maior número de pessoas.”.

– SECÇÕES –

O IndieLisboa divide-se actualmente em 9 secções: competições Internacional e Nacional, que competem pelos principais prémios; Observatório, onde são expostos filmes independentes que marcaram o ano; Cinema Emergente, espaço dedicado a novas formas de fazer cinema e a obras e autores originais; O Pulsar do Mundo, plataforma para um cinema de intervenção, com relevância social e humana; Herói Independente, que funciona como homenagem a uma figura ou entidade que se tenha destacado por uma contribuição rica para o cinema independente, integridade artística livre de restrições e preconceitos impostos pela “indústria”; IndieJúnior, espaço dedicado aos mais jovens; Director’s Cut, um olhar e reflexão sobre o próprio cinema, com a exposição de obras que fazem parte da sua história; e por último IndieMusic, uma junção do cinema e da música, com filmes onde esta é personagem principal.

– 2004 – 2009 –

A primeira edição do IndieLisboa, que passou um pouco ao lado de grande parte da cinefilia portuguesa, abriu com Before Sunset, de Richard Linklater, e contou apenas com 79 filmes divididos por três categorias. Teve como membros do Júri internacional Augusto M. Seabra, Emmanuel Burdeau, João Pedro Rodrigues, Jukka-Pekka Laakso e Paolo Manera, e o Festival de Sundance como o homenageado na secção Herói Independente. O vencedor do Grande Prémio de Longa-Metragem foi Le Monde Vivant, de Eugène Green, e Lisboetas, de Sergio Trefaut, venceu por Melhor Filme Português. Filmes como Temporada de Patos, Tarnation, Whisky, I’ll See You in My Dreams, Noite Escura e A Rapariga Santa passaram pelo IndieLisboa no seu primeiro ano.

Em 2005, o festival deu um salto em termos de filmes e secções, contando no seu cartaz com películas como My Summer of Love, Thumbsucker, Ae Fond Kiss, Palindromes, Somersault e Mean Creek. Teve a actriz portuguesa Beatriz Batarda e o realizador argentino Lisandro Alonso no Júri e premiou o filme alemão The Forest for the Trees na principal competição. Adriana, de Margarida Gil, foi considerado o Melhor Filme Português. O “herói independente” foi o chinês Jia Zhangke.

A terceira edição do IndieLisboa, realizada em 2006, ficou marcada pela estreia em Portugal de A Morte do Senhor Lazarescu, do romeno Cristi Puiu, e pela homenagem a Edgar Pêra, primeiro português distinguido na secção Herói Independente. No Júri esteve John Cooper, programador de Sundance, e o filme vencedor do prémio Longa-Metragem “Cidade de Lisboa” foi Play, da chilena Alicia Scherson. Movimentos Perpétuos, tributo de Edgar Pêra a Carlos Paredes, arrecadou o prémio “Tóbis” para Melhor Longa-Metragem Portuguesa.

Em 2007, dois filmes venceram, em ex-aequo, por Melhor Longa-Metragem – El Amarillo e Love Conquers All – com outro filme, Nada Doce, de Jeanne Waltz, em destaque, tendo conquistado o Prémio de Distribuição. O Júri foi composto por nomes como Natacha Régnier e Aoyama Shinji, realizador japonês também homenageado na secção Herói Independente.

2008 trouxe a Portugal Neil Young, membro do Júri que elegeu o filme tailandês Wonderful Town como Melhor Longa-Metragem. Foram ainda exibidos filmes como Happy Go-Lucky, It’s a Free World e My Blueberry Nights, entre outros. Os homenageados da 5ª edição foram Johnnie To, o catalão José Luis Guerín e o Novo Cinema Romeno, no âmbito do qual foram exibidos filmes de Cristian Mungiu, Cristi Puiu e Radu Muntean.

Em 2009, o IndieLisboa atingiu o seu expoente até então em termos de orçamento e filmes. Ballast, do norte-americano Lance Hammer, que fez sucesso por todo o mundo com passagens pelos festivais de Sundance e Berlim, venceu na principal categoria, eleito por um Júri que contou com Maria de Medeiros. Águas Mil, de Ivo Ferreira, integrou a competição oficial, bem como Arena, de João Salaviza, o primeiro Palma d’Ouro da história do cinema português, na secção Curtas-Metragens, tendo curiosamente perdido para  Kempinski, filme experimental do (também) jovem francês Neil Beloufa. Acabou por vencer por Melhor Curta-Metragem Portuguesa. Ruínas, documentário de Manuel Mozos, venceu como Melhor Longa-Metragem Portuguesa e duas figuras ímpares do cinema – Jacques Nolot e Werner Herzog – foram os Heróis Independentes da última edição.

– INDIELISBOA ‘10 –

A 7ª edição do IndieLisboa contará com um total de 274 filmes, exibidos durante um período de 11 dias e que se dividem em 134 obras de ficção, 70 documentários, 33 animações e 37 filmes experimentais. A edição de 2010 distingue-se pelo especial destaque dado pela organização ao cinema português, com 40 filmes presentes, 19 dos quais na competição nacional. Este destaque é notório no filme escolhido para abrir o festival: Fantasia Lusa, de João Canijo.

Este enfrenta outros quatro filmes portugueses na competição nacional, exibidos em diferentes secções: Guerra Civil, de Pedro Caldas; Traces of a Diary, de Marco Martins e André Príncipe; Pelas Sombras, de Catarina Mourão; e Sem Companhia, de João Trabulo. Nas curtas-metragens, destaque para a estreia de Gonçalo Waddington na realização, com Nenhum Nome.

Já a secção Observatório, apresenta, como tem vindo a ser hábito, alguns dos filmes mais apetecíveis do festival, inclusive com estreias a nível europeu e mesmo mundial. Dos 15 filmes a serem exibidos nesta secção os que mais saltam à vistam são My Son My Son What Have You Done?, de Werner Herzog e produzido por David Lynch, Greenberg, de Noah Baumbach, Life During Wartime, de Todd Solondz, The Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans, também de Herzog (e que marcará presença em Portugal), The Vengeance, de Johnnie To, Mother, do Sul-Coreano Bong Joon-Ho, Visage, de Tsai Ming-Liang, e o já mencionado Fantasia Lusa. Nas Curtas-metragens, destaque para A Letter to Uncle Boonmee, do tailandês Apichatpong Weerasethakul, e Plastic Bag de Ramin Bahrani.

Nas secções Pulsar do Mundo e Cinema Emergente, muitos filmes desconhecidos, mas a conhecer, destacando-se nesta última o Foco Cinema Emergente dedicado ao inglês Ben Rivers, com uma programação a si dedicada. Também as secções IndieMusic, Director’s Cut e IndieJúnior se mantêm, com esta última a merecer o destaque de trazer Tim Burton a Lisboa, produtor de 9, animação de Shane Acker que se chegou a perfilar como um dos grandes filmes de 2009. Ainda no tal destaque dado ao cinema luso, haverá antestreias especiais de longas-metragens portuguesas, como são os casos de Cidade dos Mortos, de Sergio Trefaut, e Como Desenhar Um Círculo Perfeito de Marco Martins.

Na secção Herói Independente, homenageia-se a cineasta holandesa Heddy Honigmann, uma das mais importantes documentaristas da actualidade, e a secção “Fórum” do Festival de Berlim, que completou 40 anos em 2009. A programação dedicada ao Fórum dará a possibilidade ao público de assistir a 13 filmes que por lá passaram, onde se destacam títulos de Jean-Luc Godard, Aki Kaurismaki, Nuri Bilge Ceylan, Hou Hsiao Hsien e Claire Denis. Por último, mantêm-se também os workshops e debates, como as Lisbon Talks, bem como as extensões do festival, como por exemplo ao Porto, Açores ou Alcobaça, e mesmo a Provincetown (EUA), Copenhaga (Dinamarca) e Budapeste (Hungria).

– ANTE-CINEMA PRESENTE –

O IndieLisboa 2010 realiza-se entre 22 de Abril e 2 de Maio nos cinemas São Jorge, Londres e City Classic Alvalade, e também na Culturgest, em Lisboa. O Ante-Cinema marcará presença neste importante evento que decorrerá, nos seus primeiros dias, em simultâneo com o Festival Black & White, que tem lugar no Porto. Os dois elementos do Ante-Cinema presentes serão o próprio, Pedro Ponte, e o Pedro Gomes, únicos redactores desta equipa que fazem parte da capital. A intenção será fazer uma cobertura mais ou menos completa do festival, dando naturalmente maior importância às obras de grande relevo, que terão direito a crítica, mas tentando também dar a conhecer outros filmes ao fazer um apanhado diário do festival, um pouco à semelhança do que aconteceu na altura do Fantasporto. Serão certamente 11 dias interessantes, durante os quais esperamos que nos visite.

Shutter Island é o mais recente trabalho de Martin Scorsese. E porque é de longe a melhor estreia da semana, para além de ser também um dos filmes mais aguardados deste início de ano, o Ante-Cinema reservou para os nossos leitores o melhor dos conteúdos para celebrar esta estreia em Portugal. Num Especial conduzido por Diogo Alçada Tavares, ao longo desta semana iremos apresentar um conjunto de três artigos que vão marcar esta retrospectiva exclusiva a Shutter Island. São eles: Antevisão e Crítica do filme, e ainda um Especial Martin Scorsese com uma visão alargada e pormenorizada sobre a já vasta e conceituada carreira do realizador.

Com Leonardo DiCaprio a liderar o elenco de Shutter Island, também se juntam ao actor os nomes de Ben Kingsley, Mark Ruffalo, Emily Mortimer, Michelle Williams, Max von Sydow, Jackie Earle Haley e Patricia Clarkson. O filme estreia nos cinemas portugueses na próxima quinta-feira.

O Ante-Cinema e a Take têm o prazer de apresentar o TOP Leitor ’09. Esta é a primeira edição de uma iniciativa conjunta, a decorrer até 31 de Janeiro em ambos os sites.

2009 já lá vai, e nós queremos saber junto dos leitores quais foram os melhores filmes do ano passado. O objectivo passa por encontrar um TOP 5, onde o primeiro será eleito como o ‘Melhor Filme do Ano de 2009′. Mas como não queremos que nada falte aos nossos leitores, e porque iniciativas como estas são feitas para todos os cinéfilos, o Ante-Cinema e a Take têm ainda para oferecer um conjunto de prémios invejáveis. Com o apoio da Prisvideo, temos para oferecer um total de 24 DVD’s correspondentes a 8 filmes.

Para participar no TOP Leitor ’09 basta aceder a www.take.com.pt, mas antes de votar no seu filme preferido, deve ler o regulamento aqui no Ante-Cinema. Lá encontra também todos os pormenores sobre os prémios que temos para oferecer. Para além disso temos também uma página dedicada a todas as estreias do ano de 2009. Para confirmar se o seu filme de eleição de 2009 estreou nos cinemas portugueses, aceda a este LINK.

Para celebrar esta iniciativa fizemos ainda um pequeno spot de vídeo com cerca de 1 minuto, estando qualquer um à vontade para divulgar onde quiser. Nós até agradecemos.

ESTE É O VOSSO TOP! FAÇAM AS VOSSAS APOSTAS!